Le damos un 7,5

Retrato del enfrentamiento que tuvo lugar en los 50 entre el senador McCarthy y Edward R. Murrow, periodista crítico ante los oscuros procedimientos del primero.

Un retrato interesante, aunque sesgado. Interesante porque Clooney, en su segundo trabajo como director (Confesiones de una mente peligrosa), demuestra que se puede hacer una película sobria, correcta y valiente acerca de un capítulo sangrante en la historia del supuesto país defensor de las libertades (episodio que afectó también a la cultura y las artes); pero también sesgada, porque a pesar del tono del falso documental ficcionado (con imágenes de la época), se centra en las vivencias del grupo de periodistas televisivos de la incipiente cadena CBS, personajes capaces de cambiar el mundo presentados como héroes cotidianos sin afán de serlo, huyendo de los roles estereotipados.

Aún así nos quedamos con el partidismo desde el que se pretende mostrar la realidad de una de las partes de este conflicto mediático presentado como pugna-adalid de la libertad de expresión. La cinta, premiada en la Mostra de Venecia, aporta una interesante visión y resulta una notable, aunque algo fría, experiencia cinematográfica por su austeridad en cuanto a los recursos empleados, contando con imágenes reales que no chirrían al ser insertadas en el montaje y un intenso trabajo interpretativo del coro que arropa al veterano Strathairn (Atrapado en el tiempo, Mi mapa del mundo, Las flores de Harrison).

Para evitar que nuestro enfoque se distorsione ante aspectos secundarios, Clooney elude elementos esenciales en las grandes producciones de Hollywood como la música envolvente o la duración alargada de un metraje innecesario, centrándose en pulir el guión y maximizar la fotografía en blanco y negro, esclarecedora al detenerse en los detalles y en los rostros de los personajes. En cuanto al mensaje, Clooney pega un derechazo atinado al estado de terror generalizado que pretenden establecer algunos mandamases del mundo y lo hace, no levantando ampollas sobre hechos actuales, sino invitándonos a echar un vistazo al pasado, tan presente en nuestros días.

Sin ser una gran película, Buenas noches, y buena suerte (que toma su título de la frase con la que se despedía el carismático o controvertido presentador, siempre a gusto del consumidor) consagra al Clooney director como uno de los cineastas más comprometidos y con mayor proyección del Hollywood off o alternativo, surgido al margen de la industria pero alimentado por el apoyo de sus estrellas. Al fin y al cabo, otra etiqueta de esas que venden, sobre todo en el exterior.

Le damos un 5

El legendario seductor protagoniza esta comedia costumbrista ambientada en la Venecia del siglo XVIII, haciendo honor a su fama de ligón empedernido.

No espere mucho de este estreno que pone en la palestra los asuntos más turbios y amorosos de un personaje real alrededor del cual se instauró una curiosa mitología debido a su fama de inconstante y cínico vividor, demasiado realista para la época que le tocó vivir.

Giacomo Casanova inició a temprana edad su carrera de coquetería y aventuras con diversas mujeres, haciéndose popular a través del tiempo como el prototipo de amante y aventurero. El hombre da paso al mito y ahí es donde entra su relación con Francesca Bruni, una mujer liberal que publica panfletos de liberación femenina. Pero lejos de constituir una crítica a la religión o al machismo, esta liviana película, sin más pretensiones que las de entretener y ayudarnos a pasar la tarde de sábado, nos plantea los enredos que sustentan la trama sin hacernos pensar demasiado en ellos.

Francesca, la única mujer que logró resistirse a sus encantos y rechazarlo, articula todo el argumento de este ir y venir de disfraces, duelos, engaños y carreras con la Serenísima de fondo, si me apuran, lo mejor de este filme en la línea de Shakespeare in love, aunque más cercano a la historia un tanto anodina de Algo de que hablar. Precisamente este título es del mismo director, que a su vez cuenta con ciertas perlas en una filmografía que avanza en paralelo a la del último cine de Hollywood, aunque algo más trabajada: las cintas Las normas de la casa de la sidra y Chocolat son de las más curiosas de todas las filmadas por el sueco Lasse Hallström, pero debemos ceñirnos a Casanova, carente de toda emoción dramática y valor histórico.

Llegados hasta este punto recomendamos la adaptación que del libro de memorias de autobiográficas realizó en 1976 Federico Fellini, con Donald Sutherland en el papel del seductor que sentía la necesidad de labrarse al menos una conquista femenina al día. Tiene este Casanova, eso sí, algunos puntos a su favor: un reparto formado por los siempre correctos Lena Olin, Oliver Platt y Jeremy Irons, que arropan a Heath Ledger en una interpretación plana pero capaz de conquistar al público femenino (después de lidiar con Brokeback mountain), ciertas imágenes reales de la insólita Venecia y una lejana reflexión a partir de flecos morales, como la reivindicación lógica de la igualdad intelectual femenina. Por destacar algo.

Le damos un 4

Está bien que su director aclare que pretendía mezclar horror y humor, porque aparte de prometer sustos, consigue sacarnos más de una carcajada.

¿Es tan difícil realizar una película de terror digna en sus planteamientos y que no acabe en el cajón de lo olvidable? ¿Acaso Reeker no es un trabajo coherente en función de sus principios? Si lo fuera, el caso es que nos parece un refrito de títulos como Halloween, Posesión infernal y La matanza de Texas. Aún así resulta entretenido y fiel al trazado inicial, con guinda de regalo: el cameo del idolatrado Michael Ironside.

Dave Payne, que recibe el influjo de Roger Corman (La matanza del día de San Valentín, Aullidos) repite el esquema, más que clásico aburrido, de las comedias de terror adolescente: jóvenes en medio de la nada, sin posibilidad de escapar debido a la falta de gasolina e incapaces de comunicarse con un ser vivo no sanguinario, cayendo como moscas en una telaraña de terror a manos de un ser maloliente (reeker alude a olor putrefacto y caos generalizado). Busca el grito fácil, pero Payne logra no sólo asustar, sino también descolocar al espectador, incluyendo escenas que provocan la risa, con personajes estereotipados.

Que los acérrimos seguidores del género me corrijan, pero acerca del terrible abismo que separa el mundo de los vivos del de los muertos se han hecho ya muchos largometrajes como Los Otros, The Dark –muy parecida a su vez a Amenaza en la sombra- y Dead End, una cinta estrenada el año pasado que ya brillaba por la nula originalidad del argumento y lo poco arriesgado de su realización. El título de Jean-Baptiste Andrea y Fabrice Canepar acerca de una familia perdida en una carretera sin fin jugaba desde el principio con los golpes de efecto, bebiendo del clásico por excelencia de este género, La matanza de Texas, y alargando su metraje injustificadamente.

Reeker se asemeja mucho, demasiado quizás, pero al menos no se hace pesada y tampoco engaña a nadie aparentando lo que no es.

Le damos un 1

Que dos o tres títulos de factura asiática irrumpan con acierto en el género de terror no implica que tengamos que abrir la veda. Quiero decir que no tenemos que traer a la cartelera occidental historias simplonas y rodadas con premisas infantiles que ponen en entredicho la cinematografía de Tailandia. En defensa de este país debemos apuntar que esta cinta está rodada por un pretencioso británico que ostenta el dudoso honor de ser el primer extranjero que afronta un proyecto en lengua thai.

Una historia de fantasmas puede enfocarse de diferentes maneras y aquí, no está en principio mal, se trata lo sobrenatural como algo cotidiano, que no tiene que confundirse con lo simple. La de P. La semilla del mal está basada en las creencias tailandesas que, en caso de ser ignoradas, pueden hacernos caer en el más terrible de los destinos. También puede ocurrir lo contrario: tomar en demasiada consideración los mitos y extrapolarlos a otras realidades pueden marcar el sino de una película.

El realizador Paul Spurrier llegó a Tailandia y conoció las amargas condiciones de vida a las que están sometidos muchos niños que, antes de convertirse en jóvenes, acaban infectados con el virus del Sida. Muchas de estas víctimas provienen de zonas rurales y de forma irremediable se dejan atrapar por la dura vida en la ciudad, intentando sobrevivir en un mar de maldad.

Pero no crean que Spurrier narra esta u otra situación dramática: él se acerca a los suburbios de Bangkok de manos de un monstruo en potencia, alimentado por el incumplimiento de las tres reglas sagradas de la magia. Y ojo, que aún no hemos entrado en todas las infracciones cinematográficas cometidas por el director, guionista, encargado de sonido y montador, que no es otro que el propio Spurrier. La hierática mirada de los protagonistas y la principiante y forzada interpretación del resto del reparto, a lo que sumamos un doblaje que suponemos mucho mejor que las voces originales, contribuye a que este título caiga en desgracia y no por tratar la leyenda oriental, atentos al dato por favor, 'más aterradora de cuantas han llegado al cine'.

Con un tratamiento infantil basado en la reiteración combinada con innecesarios planos aclaratorios insertados a ritmo de videoclip y pésimos efectos especiales que evitándose podrían haber otorgado un tono menos patético, P. La semilla del mal – P o Phi significa fantasma en thai y así se llama el malvado ser- inaugura para nosotros los filmes de serie Z y sobran los comentarios. Pocas veces lo diremos de manera tan clara: una entrada de cine vale demasiado como para malgastarla en una cinta de este estilo.

Le damos un 6,5

Que cargamos demasiado nuestra vida con etiquetas y convencionalismos innecesarios lo tenemos ya asumido. Aunque esta cinta nos lo recuerde, a más de uno dejará indiferente su trasfondo. Eso sí, al menos habrá pasado un rato entretenido en la sala de cine.

Buena parte de los títulos que están hoy en cartel reflejan la realidad y en ocasiones se arriesgan a normalizarla: relaciones entre homosexuales, exhibición de comportamientos racistas, tratamiento de actos terroristas sin enjuiciarlos... De manera más suave se afrontan otros temas, menos hirientes y polémicos, que pronto serán cotidianos como la eterna cuestión de la diferencia de edad en las relaciones de pareja, algo ya resabido en el caso de hombres maduros y jovencitas aunque todavía poco tratado en el caso contrario.

Camuflada como la típica historia de enredos, con la dosis justa de humor, Secretos compartidos es de esas películas que pasan desapercibidas pero dejan cierto regusto dulce en el paladar. Como habrán leído en la reseña, cuenta la pasión compartida entre una atractiva mujer a punto de llegar a los 40 (Uma Thurman) y un veinteañero (el hasta ahora desconocido Bryan Greenberg). Las dudas, el plato fuerte del filme, acechan a nuestra protagonista y decide acudir a una psicoterapeuta para que le aclare las ideas. Se nos olvidaba un apunte para cerrar el círculo: él proviene de una familia judía de costumbres arraigadas. Y hasta ahí podemos escribir para no desvelar ningún secreto de una trama que por momentos parece rendir homenaje a El graduado, dirigida hace 40 años por Mike Nichols.

Ben Younger (confeso admirador de Neil Simon y Woody allen) enfoca las relaciones del trío haciendo lo normal en el cine, que consiste en que nosotros, como espectadores, sepamos más que las pobres marionetas que ponen en pie su guión y eso no deja de ser divertido. Ya lo hizo al tratar el aluvión de nuevos ricos en El informador, su entretenida ópera prima en la que los personajes se movían por entramados financieros de la incipiente economía a mediados de los años 90.

Sin cargar las tintas acerca del peso de las tradiciones –que de vez en cuando hay que renovar para que no se anquilosen- Younger adopta un estilo que recuerda, muy de lejos, al cine de Woody Allen. Para su suerte pudo contar con Meryl Streep, además de ofrecernos una buena oportunidad para ver a Uma Thurman como alegre divorciada que se desenvuelve muy bien en el corazón de Nueva York, campo de batalla donde se desarrolla esta singular historia de amor posible, otra visión del clásico Romeo y Julieta.

Le damos un 7

En su doble faceta de maestro certero y comerciante cinematográfico, Spielberg sigue en su línea de narrador dramático gracias a esta notable producción. Con ella pretende tocar la fibra sensible al tomar los trágicos acontecimientos ocurridos durante los Juegos Olímpicos de 1972 como excusa para narrar el dilema moral que se plantea un hombre cuyo principal objetivo es matar.

Dentro de su amplia filmografía, Munich entronca con títulos más comprometidos con la historia (La lista de Schindler, Salvar al soldado Ryan), es menos aséptico que los anteriores (Atrápame si puedes, La terminal) y se aleja de la ciencia ficción (Inteligencia artificial, La guerra de los mundos). Con tantos millones de dólares de presupuesto, un reparto donde hay caras australianas (Rush y Bana), británicas (Craig, el nuevo James Bond) y europeas (Kassovitz y Zischler, vistos en Amén), y el trabajo en tantas cintas en las que ha practicado la relación causa-efecto, el mago de la industria no debería encontrar problemas a la hora de sumergirnos de lleno en su particular visión de la respuesta israelí, la operación 'Cólera de Dios', a la matanza provocada por los terroristas del autodenominado Septiembre Negro.

Munich logra acongojar, emocionar y abrir el debate, aunque presenta algunos puntos negros, como la duración excesiva, el punto cómico que a veces resulta desmedido y el tratamiento técnico de algunos de los asesinatos perpetrados en la cinta, demasiados y muy violentos. Son esos aspectos precisamente los que demuestran cómo se inclina Spielberg por el cine comercial (no olvidemos que es el avispado productor de La máscara del Zorro, Shrek, Memorias de una geisha, etc.), pero algo que le dignifica es que, lejos de buscar una trama que no incomode demasiado, hurga en la hemeroteca y redescubre un hecho a los desmemoriados, servido, eso sí, en un plato cocinado con la experiencia audiovisual acumulada tras cuatro décadas de trabajo y aderezado con mucha ficción de cosecha propia.

¿Es un síntoma de madurez que se rodee de profesionales ajenos al glamour y la mecánica de los grandes estudios? Recurre Spielberg a un interesante escritor, de nombre Tony Kushner, cuyas obras de teatro se estrenan en los circuitos alternativos de media Europa, llegando a Broadway las menos minoritarias, como Angels in America. Es uno de los que firman el guión de Munich, inspirado en el libro La venganza: relato verídico de una misión terrorista israelí aunque su autor, George Jonas, se apresurase a decir que ambas obras poco tienen que ver. Pone el ojo en la eterna separación entre extremistas, en este caso sionistas y palestinos, cuestiona la acción policial de los alemanes durante el secuestro y apunta alto hacia lo que se conoce como 'terrorismo de Estado'. Spielberg no deja títere con cabeza, pero lo cierto es que él sólo se aprovecha de la historia para narrar, de forma certera y con maestría formal, el debate que tiene lugar en la mente de un hombre al que ordenan matar sin cuestionarse el porqué y acaba experimentando las graves consecuencias de esos actos.

Es así como equilibra la balanza, inyectando moralina a las relaciones entre unos y otros para que no seamos capaces de distinguir a los buenos de los malos y poniendo en primer plano a víctimas que para otros pasarían desapercibidas, como la mujer del héroe-villano, una judía condenada al exilio interpretada por Ayelet Zurer (Las tragedias de Nina).

Por encima de las oraciones por la paz del cuentacuentos mimado por Hollywood, Munich recupera el género de espías tan popular en los años 70 (Chacal), aunque las separa una estructura un tanto reiterativa y una visión hábil que termina deformándose en momentos puntuales, cuando acude a montajes de imágenes un tanto peliagudos (reconocerán la secuencia en cuestión) e incluye planos efectistas, de esos que suelen gustar a todos.

Le damos un 6,5

Los fantasmas de la guerra regresan años después golpeando con tanta fuerza que el recuerdo se materializa de nuevo. El trauma de las Malvinas vuelve dos décadas después, restituyendo la memoria histórica.

Inspirada en el libro autobiográfico de Edgardo Esteban, que con sólo 18 años fue movilizado por el ejército, Iluminados por el fuego es la carta de presentación internacional de Tristán Bauer, un apasionado de Borges y Cortázar, que carece del sentimiento ultranacionalista que podría haber manchado el tratamiento de esta historia que tanto gustó al jurado del pasado Festival de San Sebastián. El cineasta, encaprichado de la historia real, se alejó de los condicionantes patrióticos –que casi siempre son terribles- acerca de una de las últimas batallas cuerpo a cuerpo que tuvieron lugar entre potencias occidentales.

Capítulo bochornoso para ambas partes, sobre todo para el lado argentino, se atisba el daño y la angustia que el conflicto provocó en la sociedad, mientras gobierno y ejército callaban al respecto. Por eso la propuesta de Bauer es interesante ya que rompe también el silencio impuesto aunque se den los aciertos y los errores de una primera cinta sobre el caso. Uno de eso fallos radica en que no cuenta con el gancho suficiente para conmover, quizás por la facilidad con que extrapolamos el caso de las Malvinas a otros conflictos.

Sin emplear un enfoque aséptico, la película planea sobre territorios y personas a quienes que no les pertenecen. Unas pocas pinceladas de rigor histórico no son suficientes para exportar su cinta a espectadores que desconocen o sólo tienen claros algunos apuntes acerca del conflicto que mantuvo en liza a británicos y argentinos en 1982. Y precisamente ahí, arma de doble filo, encontramos otro acierto: la desubicación temporal y espacial que hace que nos centremos en las secuelas que padecen aquellos que participan en una guerra.

Con una duración justa, secuencias medidas y un posicionamiento neutral, Iluminados por el fuego cuenta con interesantes momentos como el que resalta el sentimiento de perdida y desconcierto del personaje de Gastón Pauls en la enfermería, un paralelismo con los cerca de 400 suicidios producidos entre los ex combatientes, una cifra que casi dobla al número de muertos in situ y más escalofriante a la hora de comprender a los derrotados, que volvieron al continente si que nadie hablase de Malvinas. Aunque nuestro protagonista volverá a las islas.